Category Archive: Cine

Molly´s Game

Molly estaba llamada a ser una deportista de élite, luego de sufrir una caída que la llevó a un salón de operaciones con 12 años, regresa a competencia y aspira al 1er lugar en una Olimpíada, por azar se le enreda el esquí con una rama y cae estrepitosamente, pendiente abajo, con riesgo para su vida…

Así arranca el filme de Aaron Sorkin , y con el magnetismo y la adrenalina que produce la escena inicial, te preparas para lo que estará llamada a ser una película interesante.

El protagónico es de Jessica Chastain (La noche más oscura), el filme escudriña el mundo sórdido que se teje alrededor de una partida de póker, aún sin conocer los intríngulis del juego, el espectador comienza a “apostar” in mente, por Molly y su posible éxito como organizadora de partidas en las cuales participan desde estrellas de Hollywood hasta mafiosos.

Además de Chastain en los protagónicos figuran Kevin Costner, en entradas breves pero deslumbrantes e Idris Elba, centrado, orgánico e impresionante en su papel.

Mención muy especial a la protagonista, la crítica ya la considera como uno de los talentos más sólidos de la actualidad, convence rotundamente su papel en Molly¨s Game, desde la gracia y el refinamiento de una mujer que escoge moverse en un mundo netamente masculino y triunfar en él.

La historia, inspirada en la realidad es intrigante, inteligente y dinámica. Te mantiene en vilo total a pesar de su extensión y respiras aliviado casi cuando…No, no les voy a contar más, búsquenla y luego me comentan.

Loa a Memorias

Gracias B por la idea sugerida entre líneas…

“¿He cambiado yo o ha cambiado la ciudad?
Tú recuerdas muchas cosas,
Recuerdas demasiado. Donde esta tu gente, tu trabajo, tu mujer
¿Y si ahora mismo empezara todo?”

Durante agosto el cine cubano celebró el 50 aniversario de uno de sus clásicos: “Memorias del subdesarrollo” de Tomás Gutiérrez Alea.

El filme marca una época en la sociedad cubana de principios de los sesenta, que por ésas manías del destino, vuelve a repetir una y otra vez la historia que narra, aunque las condiciones alrededor del exilio en la actualidad hayan cambiado.

El protagonista es un burgués que se queda en Cuba al triunfo de la Revolución, comienza un proceso de acercamiento al cambio social que está viviendo, tratando de comprender la nueva realidad que lo rodea y de buscarse como individuo en la misma.

Sergio se debate en el análisis de su nuevo entorno, teoriza sobre males sociales, admira a diferentes mujeres, tiene sexo, fuma, observa la ciudad por un catalejo, duda, se inquieta ante problemas que todavía nos golpean a cada paso a pesar de los años transcurridos, y es quizás por esta profunda disección de una realidad tan mutante pero varada a su vez por paradójico que resulte en los mismos problemas que “Memorias” no envejece, no se queda como un filme que sólo es conocido por una generación, y continúa siendo el referente para retratar la sociedad cubana.

El guión está basado en la obra homónima de Edmundo Desnoes, un cubano-americano, nacido el 2 de octubre de 1930. Escritor vanguardista radicado en EE.UU, mantiene un vínculo cercano con la intelectualidad cubana, al respecto del aniversario del filme y entrevistado por ésa causa refiere:

“Yo digo que el éxito de Memorias… se debe a tres cosas: la Revolución, el momento de la nueva ola del cine francés y la actuación de Sergio [Corrieri], que es, yo diría, el Mastroianni del pobre. (..) El éxito siempre depende mucho de la circunstancia histórica.”

Recomiendo a mis lectores que no la conozcan el disfrute de esta obra y un acercamiento además al trabajo del actor Sergio Corrieri, quien da vida al protagónico del filme y es un gran responsable de su éxito.

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Shalom Robert

Anda saltando por la web la noticia de que el actor, director y productor de cine Robert Redford se retira, me asomo con nostalgia a la época dorada en que su sonrisa hacía soñar a generaciones de mujeres que veían en él al galán perfecto. Durante su extensa carrera, ha participado en más de 60 películas y series, a pesar de esto nunca ha recibido un Oscar como actor.

Su primera aparición fílmica fue en War Hunt (Denis Sanders, 1962) Pero no es hasta 1969 con “Dos hombres y un destino” junto a Paul Newman que comenzara el mito Redford. Algunas películas en las que ha trabajado han estado nominadas a premios Oscars, tal es el caso de “Todos los hombres del presidente” y “Memorias de África” esta última junto a otra diva: Meryl Streep. Una de las escenas más tiernas que he visto en mi vida relacionadas con la expresión del amor se puede disfrutar en la foto a continuación:

En 1980 como director obtiene un Oscar, por la cinta: “Gente como uno” y es aquí donde la actuación pasa a un plano secundario para darle paso al hombre tras el lente que sabe capturar emociones y ambientes. Es quizás este descubrimiento lo que le hace crear, en este mismo año el “Sundance” centro de enseñanza para jóvenes cineastas y un poco después el Festival de cine del mismo nombre que se realiza cada enero en Utah, cerca de la escuela que funciona en su propiedad.

Ha mostrado en alguna que otra entrevista su respeto y afinidad por el budismo, es un furibundo ecologista y un defensor de los derechos de las minorías etnicas. A los 82 años, sin cirugías estéticas, con la sonrisa que logró cautivar a medio planeta confiesa:

“Nunca digas nunca, pero he llegado a la conclusión de que este es el fin para mí, en términos de actuación. Voy a jubilarme después de esta película porque he estado ejerciendo mi trabajo desde que tenía 21 años. Creo que es suficiente. ¿Por qué no decir adiós con una película que es muy optimista y positiva?” (Se refiere al filme The old man and the gun)

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Ready Player One

Llega de nuevo el mago a la pantalla grande. Steven Spielberg nos entrega su última película rodeado de una gran expectativa. Dedicado a otro tipo de cine durante el 2017 (los archivos del Pentágono o The Post) durante este año regresamos al género que lo hace rey de reyes.

En 2045 Wade Watts es un joven que ha perdido a sus padres y vive en un futuro distópico, su refugio en los video juegos le ha hecho construirse un avatar en el cual puede volcar sus deseos de cómo ser o qué hacer, su alter ego Parzival tiene amigos que le comprenden y participan con él en un juego de realidad virtual Oasis, que les brinda la realización de sus sueños. Todos se aprestan a participar en una carrera que tendrá como premio un huevo de Pascua y además, la posibilidad de heredar la fortuna del creador del mismo. Pero no se trata sólo de un juego…

Basada en la novela de Ernest Cline, la película recrea un mundo de videojuegos montado con fabulosa meticulosidad, los ambientes reales y virtuales, la construcción de los personajes en los mundos paralelos que viven los habitantes de Columbus que hartos de su realidad se refugian en los visores. Spielberg vuelve a ser el niño que ve el mundo acompañado de criaturas monumentales y colores vivos, destaca su buen gusto en la selección de la banda sonora, mención especial a la escena de la discoteca, un remedo espectacular de “Saturday Night Fever” o las escenas de juego dentro de “El Resplandor” donde Steven rinde homenaje a su gran amigo Kubrick.

Durante sus primeras semanas de exhibición Ready Player One ha encabezado las taquillas de casi todo el mundo, y no sólo por su alta dosis de entretenimiento, la gente sigue a Spielberg porque ha sentado precedente de buen hacer en el mundo cinéfilo.

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El hilo invisible

Una película puede hacerte reflexionar, puede llevarte a cuestionar por cuáles senderos se mueven las pasiones oscuras del yo interno, puede hacerte ver que hay demonios hasta en las almas más puras.

Paul Thomas Anderson nos sorprende con un guión y una puesta que tirará de los hilos de nuestra sensatez. Ambientada en los 50´s de Londres, la película presenta a Reynolds Woodcock, un sastre de la élite burguesa en su proceso de creación, un hombre retraído, metódico y perfeccionista, que hace culto a la belleza y la elegancia del vestuario, un día conoce a Alma, una muchacha que refleja la luz que su inspiración persigue y ambos comienzan un viaje que atará sus sentimientos más sublimes y los más lóbregos.

El filme derrocha belleza visual, los ambientes, el vestuario, la rigidez aristocrática del mundo adinerado son mostrados deliciosamente, la sin igual tarea de crear una joya en tela, el glamour de un mundo donde todo parece ser perfecto, sin sobresaltos ni alteración el tiempo transcurre diáfano para los espectadores que aguardan el florecimiento del romance entre el creador y su musa. Quizás si Daniel Day Lewis no le hubiera puesto piel a Woodcock el resultado escénico no fuera tan espectacular. Una vez más el actor reafirma que es uno de los artistas más completos del cine, ganador de tres Premios Oscar (My left foot, There will be blood, Lincoln) único en lograrlo en la historia de la Academia, aquí convence con la construcción del personaje desde el primer segundo en pantalla. Daniel atrapa al espectador en su mundo interior con la capacidad que tiene de ser quien representa en la trama.

Phantom Thread (título original en inglés) estuvo nominada en seis categorías en la última edición de los Oscars ganando solamente uno. Fue seleccionada dentro de las 10 mejores películas del año por la crítica especializada del New York Times y además es la última en la que tendremos el placer de ver al actor británico, que anunció ya su retiro.

La relación que parecía idílica entre Woodcock y Alma se torna desgarradora, atravesar los límites racionales por amor, coquetear con la muerte, amarrar la cordura y los instintos en una relación en la que se compite por derrotarse mutuamente en la pelea por no sucumbir y dejarse querer, son algunas de las lecturas sensoriales de un filme que merece nuestra atención.

Blues y ciudad, años después

No logré encontrar en la web un solo artículo que me remitiera al estreno nacional del filme de Benito Zambrano, realizado en 2005: “Habana Blues”, en la isla se exhibió durante un Festival del Nuevo Cine Latinoamericano, una noche.

La prensa internacional si hizo eco de algunos aspectos del filme y es realmente doloroso que el gran público nacional no haya podido ver en pantalla grande el magnífico derroche del arte que luego se volvió trending en el panorama musical de la isla: Kelvis Ochoa, Telmary, X Alfonso, Juan A Leyva, por sólo mencionar a algunos, ponen su talento a disposición de esta obra en canciones, arreglos y presentaciones.

Habana Blues es la historia de dos amigos que hacen música fusión y sobreviven en la Habana actual. Ruy y Tito están interpretados por Alberto Yoel y Roberto San Martín respectivamente, su sueño es abrirse camino en la música y a partir de conocer a dos españoles que intentan producir a artistas desconocidos tienen que tomar decisiones en cuanto a su vida futura. El filme no se siente caduco, a pesar de tener algunos años ya, su conflicto social se mantiene.

Benito Zambrano es un español graduado de la Escuela Internacional de cine de La Habana en los noventa. Con su ópera prima “Solas” obtuvo 5 premios Goya, entre ellos el de mejor director novel. Se siente su conocimiento de la realidad cubana en el argumento de la película.

Siempre hay muchas Habanas en las miradas de los cineastas, de los periodistas o de los visitantes, todos no tenemos la misma percepción de la ciudad, ni aún sus propios habitantes. Pero si algo el filme logra captar es el gran espíritu de criollos que hemos defendido por siglos, puedes ser emigrante, militar, eclesiástico o poeta maldito, no aceptas en ninguna postura que se denigre a tu tierra natal, que se le trate sin respeto.

Las actuaciones de los chicos que en su momento se auto titularon como “actores alternativos”, muchos unos perfectos desconocidos que hoy tienen una carrera reconocida dentro o fuera de Cuba, son impecables, convencen, enamoran, retratan al cubano de a pie, ése que como los niños de Caridad come frozen aguado; o que bebe ron de 60 pesos, como la abuela de Tito.

Pero la gran protagonista es la música, la que le toma el pulso a la vida, la que sugiere o da, ésa música hecha desde la perspectiva de jóvenes herederos de tradición y que apuestan por estilos diferentes, agresivos y relajados, cubanía que destaca lo mismo en el rock que en el son.

Recomendación especial a los amigos del blog. La disfrutarán.

Gravity

La manía que tiene esta plataforma de archivar blogs a veces resulta dañina. Suelo leer a algunos bloguers de manera sistemática. Unos porque poseen páginas muy dinámicas, otros son amigos, y existen personas que no llevan etiquetas, porque es innecesario o porque de tan sólidas o geniales que son necesitarían un adjetivo que aún la Real Academia no ha logrado definir.

El caso es que supe hace mucho tiempo del filme que ahora voy a reseñar, recién fue estrenado, por el blog Carpe Diem (su versión 1 ya archivada), y suelo tomar nota real de lo que propone Huxley porque siempre es de calidad, pero fue sólo unas cuantas noches atrás que pude disfrutarlo.

Gravity es una película del mexicano Alfonso Cuarón, según las reseñas cinematográficas, las entrevistas etc, el director estuvo años intentando filmarla, y era rechazado una y otra vez por la Universal, hasta que pudo encontrar en la Warner el presupuesto adecuado al proyecto.

Es interesante cómo logra atrapar al espectador una trama aparentemente lenta, en los últimos tiempos se ha puesto de moda esto de los filmes con elenco mínimo, recuerdo uno de una chica que queda atrapada en el mar, en una desierta playa de Centroamérica con un tiburón acosándola, llegas a sentirte torturado por el “tempo” empleado en la filmación, o aquella preciosa vida de Pi, donde un chico y un tigre nos tienen en vilo durante 2 horas y sin embargo no nos importa, hay una gran diferencia entre aburrir y motivar, Gravity se adueña de tus emociones desde los primeros planos: Nuestro mundo desde afuera, en su inmensa belleza, ¿cómo puedes no deslumbrarte con el esplendor de la Tierra que gira ante tus ojos?

Con el cine, al igual que el resto de las artes, lo que importa es lo que percibes, lo que logra trasmitirte. Gravity te atrapa en su frío terror, ¿Qué puede sentir un ser humano al saberse solo e incomunicado fuera del planeta? ¿Cómo reaccionar con serenidad ante una hecatombe así?

Sandra Bullock y George Clooney dan vida a la pareja de astronautas que ven sacudida la rutina de una investigación para traerlos a un via crucis de sobrevivencia. Son compañeros en una aventura que puede costarles la vida, y tiene un gran mérito el director que logra arrancarles sólo a golpe de diálogos ésa empatía imprescindible con el espectador, el ansia de ver si pueden salvarse.

En las páginas especializadas (al igual que en la viña del señor, que hay de todo) se han hecho críticas porque es literalmente imposible hacer coincidir en una misma órbita al telescopio Hubble, la ISS y la estación china Tiangong y no se puede pasar de una a otra usando una nave Soyuz y menos aún empleando una mochila propulsora MMU. Pero hasta los críticos más feroces han terminado por reconocer su espectacularidad.

Supongo que los adeptos al cine de CF ya la hayan disfrutado, si no, les hago la recomendación de buscarla, junto con Apolo 13 es uno de los filmes más fieles narrando una experiencia espacial.

Blade Runner, again…

Ridley Scott marcó un hito en el género de CF. Adelantarse tres décadas a la manera de hacer películas futuristas es algo épico, recuerdo cómo los amantes del género íbamos al cine una y otra vez tras las imágenes oscuras que nos subyugaban, replicantes, humanos, perdición, falta de esperanza, lluvia, noche, una realidad posible que de la mano del celuloide nos deslumbró. No por gusto el Blade Runner del 82´ es un clásico.

Este año un director se atreve a volver sobre el tema, desprendiéndose de las ataduras que supone el re-make, que no es tal, porque la versión 2049 que tenemos enfrente no peca de copiar a Scott, si acaso, respeta la historia original y nos muestra una continuación de lo que pudo ser, un ¿epílogo? Para Deckard o un ¿futuro? En manos de una interpretación nueva de la vida por venir.

Denis Villeneuve (Québec, 1967) me enamoró en 2016 con una cinta genial: “The Arrival”, en la misma cuerda del futurismo, una película excelente, que apuesta por un cine reflexivo pero capaz de atraparte en sus redes de la misma forma que podría hacerlo el suspenso mejor elaborado. Una visión de lo que podría ser el encuentro con una civilización extraterrestre que haga cambiar nuestra concepción del tiempo. Así que me lancé a la aventura de Blade Runner 2049 con el ánimo de ser sorprendida, con la pasión del encuentro con ése amante que de pronto reaparece en tu vida.

El filme tiene indiscutibles méritos, volvemos a sumirnos en una realidad distópica, replicantes modernizados pero igualmente sometidos, rafagazos de rebeldía, ciudades sórdidas, deshumanización, ausencia. El ambiente que recrea Villeneuve deslumbra por la monumentalidad de los escenarios, pero la lentitud de las escenas le pasa factura al interés del espectador, cuando haces un paralelo con The Arrival, sacas la conclusión que puede ser el estilo narrativo de este director, pero lo que en el tema del contacto extraterrestre es funcional, aquí se convierte en una tortura psicológica por avanzar en la historia.

No obstante, llegas al final satisfecho. Recuerdo, en el Blade 82, aquélla escena donde el replicante Roy Batly (el maravilloso Rutger Hauer), momentos antes de morir, recita las líneas que han quedado para la historia como un símbolo:

“Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo… como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.”

El final de Blade 2049 te sorprende. Inicia una melodía de ¿esperanza? ¿cambio? ¿razones para pensar que no nos espera un futuro tan espeluznante?

No lo sé. Sólo puedo recomendar su disfrute, y esperar que antes de treinta años más, podamos asistir a la continuación de la saga.

The Circle

Siempre que decido hacer una propuesta cinematográfica reviso las páginas de crítica para saber si la opinión de los que cobran por desmenuzar un filme coincide con la mía o no, pura manía, por lo general ya he visto la peli cuando leo las reseñas.

The Circle (El Círculo) es un estreno de 2017, protagonizado por Emma Watson y Tom Hanks, su argumento está basado en la novela escrita por Dave Eggers, del mismo nombre, que confiesa haberla escrito por consejo de su esposa, profesora de un instituto y preocupada (como millones de padres diría yo) por el abuso de las redes por parte de los jóvenes.

Mae Holland es una joven gris, proviene de una familia por debajo de todos los índices que la puedan convertir en una exitosa ejecutiva, trabaja a tiempo en sitios mal remunerados. Su amiga Annie logra conseguirle una entrevista en la compañía tecnológica donde trabaja, una suerte de imperio donde todo es perfecto. Poco a poco va entrenándose en las exigencias del nuevo trabajo y descubriendo sus propias potencialidades, una noche es rescatada en el mar gracias a uno de los inventos de la compañía y Eamon Bailey (Tom Hanks) la anima a participar en un experimento, que destroza los límites de la privacidad.

Casi todos los artículos acerca del filme detienen sus argumentos para denigrarla en que ya resulta atrasada por la aparición de mejoras en la red que pulverizan lo innovador de las propuestas que plantea, y pocos dedican tiempo a analizar lo peligroso que resulta el vicio desenfrenado de las nuevas generaciones a estar colgados todo el tiempo de la tecnología, no hay beso, fiesta, logro o cambio que los chicos actuales no quieran mostrar en las redes sociales, como si su felicidad estuviera condicionada por los pulgares en alto de los miles que las visitamos.

Emma Watson no demuestra nada magnífico actoralmente, al contrario del señor Hanks, que como siempre devuelve un papel brillante, pero no creo que eso sea lo importante en El Círculo, sino la línea argumental que nos lleva de la admiración a la reflexión, de sentirnos fascinados por cuán adelantada puede estar la tecnología al agobio que podría representar ser vistos hasta en nuestros momentos más íntimos. ¿Cuánto daño puede causar el inocente afán de la conectividad, de estar todo el tiempo y todos en contacto? ¿Dónde queda la necesidad de tener intimidad, el respeto a la misma?

Creo que es importante verla, y hacernos estas reflexiones.

Heroínas animadas

Dentro de las últimas producciones de Disney se refleja una tendencia a cambiar el rol de la heroína en sus historias, han quedado atrás las princesas habituales para ensalzar la imagen de otras chicas, menos de salón, más aventureras:

Brave (2012): Mérida es la heredera de una dinastía escocesa, pero se niega rotundamente a aceptar la tradición que la manipula como un objeto en manos varoniles, sale a crearse su propio destino y provoca una situación inesperada, que tendrá que resolver para salvar a su madre.

Frozen (2013): Dos hermanas son separadas porque una de ellas posee un don que no sabe controlar, Elsa es la mayor y tiene que sentarse en el trono real a pesar de sus miedos, su inexperiencia la hace destruir el equilibrio de su tierra y se interna en un mundo congelado para huir de su error, el amor de Anna la rescata de su abismo.

Moana (Vaiana): Película de 2016,su argumento se basa en la travesía que emprende la joven princesa de una tribu para rescatar una isla mágica, especie de madre natura bellísima, a la que le han robado su corazón.

En las tres historias se reconoce un afán por defender y fomentar el amor a la naturaleza, el respeto a las costumbres nativas de las regiones en que está ambientado el argumento y lo fundamental, los dibujantes desechan la imagen de la muchacha edulcorada y fina para echar mano de chicas comunes, despeinadas, salvajes y alejadas del protocolo.